主題網站：http://participatorytheatreproject.com/
雖然舞台製作與大部分市民的生活絕對稱不上息息相關，但是香港每年仍然製作超過一千個各種藝術形式的表演。數量多，不一定值得慶賀。數量反映我們的製作系統和行政操作之純熟，數量也是藝術內涵日益枯竭的警號。生活壓力加上資助制度的思維，導致技術先行的製作模式，是否無法擺脫的宿命？

「觀。聲。陣—參與式劇場在地研究計劃」力求開拓「資助—製作—藝術家成長」三者關係全新可能性。計劃為參與藝術家提供在無須追逐「製成品」的情況下，全心全意發掘他們關心的題材的在地性、社會性和藝術性。計劃環繞三大概念支柱而設計：
– 從策展概念出發，由策展人負責籌組藝術家團隊，製造契機，讓跨界別的成員在創作上互相撞擊
– 重新設計以及定義觀眾在藝術創作過程中的位置
– 容讓參與者在熟悉的環境中作持續的藝術及技術研究
「開放性」是態度，是選擇，也是價值之所在。計劃的每一位參與者，包括藝術家、觀眾、工作坊學員、觀察員、工作人員，請向開放的行動研究投入你的觀點，為技法灌注人文關懷，讓我們從各自的人生經驗之中，找到舞台的個人意義。
駐場研究工作室：流白之間
從策展概念出發，由策展人負責籌組藝術家團隊，鼓勵跨界別的新組合在創作上互相撞擊
香港舞台製作對速度的要求，引致創作人忌諱風險，傾向長期與相同的藝術和技術班底合作。此習慣雖然有可能令各人通過長期合作產生默契，但熟悉的合作狀態無法引發新的藝術撞擊。年輕的創作人由於人脈發展尚未成熟，更需要外力為他們製造與不同界別和資歷的團隊夥伴合作的機會。何應豐和李海燕，利用各自的資歷及跨界別優勢，從策展概念出發，負責籌組藝術家團隊，製造藝術撞擊的最大可能性。
重新設計、重新定義觀眾在藝術創作過程中的位置
香港舞台演出以「製成品」方式出售，觀眾亦慣常以消費商品的心態購買門票，以「擁有」製成品心態觀賞演出，對藝術抱持「用完即棄」的態度。這不但完全偏離藝術欣賞的本質，亦令參與藝術被定性為眾多消費或消閒選擇之一，被放置在無法與之競爭的商業活動的對立位置，在全球藝術商品化的趨勢中進退失據。
本計劃特別著重重新設計、重新定義觀眾在藝術創作過程中的位置，尋求開拓在形式上可能是新的、但在本質經典的觀眾參與模式。當中關鍵詞是「擁有權」（ownership）、「協商」（negotiation）、「判斷」（judgment）。參與計劃的藝術家和觀眾，必須同時對創作投入思考、商議方向、判斷藝術成就。藉着重整表演者與觀眾的關係，讓我們回溯劇場初衷：作為演員和觀眾同時平等存在、各司其職地平等參與的一次聚合。
容讓參與者在熟悉的環境中作持續的藝術及技術研究
香港舞台藝術面對的排練和展演空間問題，多年未獲解決，對創作的負面影響包括：（一）演出傾向以舞台技術彌補藝術發掘的不足；（二）每次排練或演出，團隊都要重新適應空間，消耗時間和精神；（三）難以培養觀眾對同一空間的安全感和依賴，窒礙了固定人流帶動文創空間周邊經濟活動的發展。我們幸運地獲得場地夥伴的支持，兩年計劃期間可持續使用同一場地，駐場藝術家可以進行場地裝置而無須每天拆卸，亦可作持續性演出（durational performance）而不會受場地關門時間限制。觀眾亦可藉此了解空間性格。
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