——《元州街茱莉小姐不再在這裏》創作旅程點滴

世界開始的時候是沒有文字的！

而今日的你我，卻似乎被文字的重量壓得難以喘息，打開每日報章或暢銷雜誌，文字彷彿變成一種意圖操縱或遙控世界脈搏的符號，其本來的豐姿和詮釋的空間幾乎被扼殺成一種可傷人的武器，當中隱伏著不少謀略、殺機，或是當情感全然

割開的非人道手段……

在此之前，文字隨時間及朝代的轉化，又是一種怎麼樣的旅程？由早期祭祀的詩歌到屈原在天地間悲慨到晚的《抽思》，以至今日的文字意象，其中是否仍有可追溯的脈絡和相互牽引的情感交流？

文字背後蘊藏的意象空間究竟是怎樣的事？

昨日和今日的文字圖象又有多少融匯的可能？

又假如

我們一概摒棄文字……

當文字不再是演出的支架，當演出的靈魂是依靠文字的更深層的感情與精神基礎，推動演員的動、靜、神、韻，繼而化之成生命最根本的能量，那麼演出會否可能是一次超越文字的旅程……

當文字未能將你我真正與世界取得明白、連繫，或引證，那縱是千言萬語，仍莫過於各自執著文字的不同詮釋和推敲，生命又會被演繹或描繪成怎樣的一幅圖畫？

試想像詩人如何意圖透過凝聚的文字去捕捉心緒交纏那一刻的情感，甚至如屈原在被放逐之際在漫天風沙底下高歌心中情慨，其文字的形成是怎樣的一刻人生速寫？一個舞者、歌者或樂師在同樣景況底下又會舞唱出怎樣的曲譜？似乎，在「創作」前的一刻，很可能是一種「明靜」與「激流」間的生命湧潮，充滿千般可能，亦意味著超越文字形式的萬般意態……

試想，當你寫一個字之前，是先有字，還是先有意？

試想，為何要寫？為何要說話？

在字與說話形成之前，文是甚麼狀態？

假如在寫的那一刻，正是匯聚著思緒情感而施展出來的感情運動，字的神韻和意象又會是如何？

支撐著創作文字意象的精神基礎是甚麼？

假如演出是為了引證文字的意義，那麼舞台之一景一物、一舉手一投足也只可能是被文意牽著走，難以接觸其背後的精神支撐點，結果可能是──

字，只是掛在演員口邊空白而沒有生機的「包袱」！

說話，只是一種慣性及重複的身體機能練習，沒有任何出路！

倘若要重新開拓文字背後的無窮動力與可能，要重新解開每日習性，讓身體與心靈開放，挖掘底層的精神力量，究竟要走上一條怎樣的路？

矛盾的是

當迷惘於片片抽象的圖畫之際，點滴文字卻又如神助，將混沌的拉出一條路向……

或許，

文字、身體、事、物、音樂、符號意象各自碰撞之間，正譜出一首相互牽引著的詩歌……

就讓演出成為一次在文字行間遊離摸索的旅程！

就讓文字成形前後的種種可能「瘋祭舞台」！

何應豐/一九九六年七月廿八日

後記：

一、 關於兩個演出版本的幾句話

「國際版」是上月在日本東京亞洲戲劇節演出的延展。東京和本港演出場地空間的差異很大，基本演出元素似乎沒太大改變，但演員能量的調節與燈光光影的穿透力卻全然不同。因應場地的轉變，舞台設計亦多了外環的石堆與框架，水亦是新加的，令演員與空間的交匯有額外的閱讀層次。

最重要的是自日本回來後，再深入剖析經驗和再挖掘角色創作的其他可能時，一日在排演的過程中，我要求演員抽離一點，一邊演一邊「觀照」角色感情意態，霎時間，演出來的味道全然變了，動作比前來得更精細緊密，而布萊希特從梅蘭芳演出體味出來的「疏離效果」頓時滲透出來，那是我與演員同時感覺精彩和有意義的景況，兩個演出版本的念頭油然而生。重點是用燈光創造兩個全然不同的環境狀態，相應用兩種不同的表演方法和能量，看看怎樣影響著我們詮釋舞台意象和空間。現場音樂亦因應空間感的不同而作出呼應，承托演員的不同層次脈搏。

「國際版」中，燈光較具變化，與氣氛的營造同時製造了一個「環境」，演員能量的滲透面亦因此而有所「制壓」、「釋放」或「承托」。「香港版」大膽地除去所有明顯性氣氛、環境和顏色的凝聚，回到傳統戲曲中「大放光明」（當然是有層次的光明），將演員變得更「赤裸」，沒有了「環境」的倚靠，演出時身體語言更要仔細和全神。結果，所有「環境創造」全賴一舉手一投足。此外，「香港版」更在開首與結尾加上兩段文字的誦讀，全劇演員的「進入」與「完成」方法亦因而改變，不但增強「疏離」的「美」，亦是對演員及觀眾較具「挑戰性」的嘗試。

二、 關於舞台設計的幾句話

我深信舞台表演藝術，「表演」是劇場必然的「核心」。任何放在舞台的景、物、燈光、聲音也會相應地影響或改變著故事與角色的詮釋。舞台上的「外在物」如何變成角色的「內在物」是重要的。將一切「裝飾性」減至最低，用的一景一物皆有它的意思和多層次的潛藏意義。設計師要在工作坊排演過程中捕捉演出的風格、語言及說故事的方向和方法，來決定舞台實物與意象的虛實與運用。這似乎承接中國傳統戲曲美學中的空蕩簡樸的基調，將空間集中在支撐表演的信念下來設計，與現今本港側重「裝飾性」的設計取向有著有趣的對照。

何應豐/一九九六年九月三十日